Continuamos con las mejores películas de la década (también puedes leer la selección 100-81 y 80-61)
40 – Only Lovers Left Alive
Dir. Jim Jarmusch
Justo en el momento que la saga de Twilight se adueñaba del nombre de los vampiros, Only Lovers Left Alive de Jim Jarmusch llega para darles todo un nuevo significado.
Los enigmáticos Adam e Eve de Tom Hiddleston y Tilda Swinton, retratan idílicamente a sus personajes como unos longevos vampiros que, era con era, han tenido que encontrar la manera de sobrevivir. Ahora, este desafío lo pone la modernidad en la que la polución de la sangre mortal (o de los zombies, como Adam nos llama) los ha llevado a una sequía, no solo su vital alimento para el cuerpo, sino también para su espíritu.
Acompañada de un extraordinario soundtrack y excitantes “easter eggs” para los amantes de la cultura y el arte, esta cinta es un deleite para todos quienes buscan saciar la sed del alma.
39 – The Lobster
Dir. Yorgos Lanthimos
The Lobster es una crítica brutal al infierno de las relaciones humanas, a la idea de que no podemos estar solos, que necesitamos forzosamente hacer pareja, a como dé lugar.
La sátira es poderosa, se reconocen las obsesiones actuales de una sociedad Tinderizada donde el miedo a la soledad manufactura relaciones basadas en andamiaje falso.
El autoengaño que sustituye al amor.
38 – Toy Story 3
Dir. Lee Unkrich
La película que más llanto provocó por copia proyectada (no somos parte del comité de los Récord Guinness pero puedo asegurar esta cifra).
Emotiva, plagada de referencias cinematográficas (The Great Escape, Rio Kwai, The Shawshank Redemption) y que parecía, despedir de una forma gloriosa una trilogía que marcó a una generación.
El momento en que Andy se despide de cada juguete es inolvidable.
37 -The Witch
Dir. David Eggers
En una década donde el cine de terror por fin escapó del found footage, David Eggers se basó en el folclor norteamericano para sentar las bases de una nueva generación de historias de horror: satanismo, sectas y brujas.
The Witch, con sus lecturas religiosas y perspectiva sobre la mujer hace algunos cientos de años (y su símil en nuestro siglo), también destacó por su música realizada con instrumentos que sólo existían en el siglo XVII y por esa frase (la frase de la década): «Wouldst Thou Like to Live Deliciously?»
Así queremos ver el cine: deliciosamente.
36 – Blue Jasmine
Dir. Woody Allen
Una película como Blue Jasmine es lo que sucede cuando uno de los grandes cineastas de la historia trabaja con quien es, quizás, la mejor actriz de su generación.
La gran interpretación de Cate Blanchett en el papel de Jasmine es una suma de su talento como actriz y la clara dirección de Woody Allen que, como es costumbre, impregna su personalidad en los personajes de sus películas.
Blanchett se hizo del Globo de Oro, el SAG, el BAFTA y el Oscar a mejor actriz con esta comedia sobre una mujer caída en desgracia luego de su divorcio. La película cuenta con todos los elementos de un filme de Woody Allen, quien a pesar de sus detractores (en el plano estrictamente cinematográfico) sigue entregando historias importantes.
35 – Copie Conforme
Dir. Abbas Kiarostami
Kiarostami presenta una historia original y al mismo tiempo ambiciosa y reflexiva sobre las relaciones de pareja. Los protagonistas -Juliette Binoche, en una de sus mejores actuaciones, y William Shimell-, interpretan a dos intelectuales cercanos al arte.
Ambos “actúan” como una pareja de desconocidos que acaba de conocerse; y para la segunda parte del filme es una pareja celebrando su aniversario de bodas.
¿Son Binoche y Shimell los mismos? ¿Dónde comienza lo real y dónde está el simulacro? es la pregunta principal que se deja al espectador.
34 – Call Me By Your Name
Dir. Luca Guadagnino
Armie Hammer y Timothée Chalamet protagonizan en este filme una de las más importantes y memorables historias de amor de la década. En el transcurso de un verano Elio, apenas un adolescente, atraviesa por un profundo enamoramiento que lo llevará a madurar y experimentar un amor que puede ser el más grande en su vida, pero que está destinado a durar unas semanas.
Todo es intencionalmente bello: el romance de los protagonistas, la química entre los dos actores, el lugar en el que se desarrolla la historia y las escenas que cuidadosamente captura la cámara. El propio discurso final de uno de los personajes secundarios es una lección sobre el amor y la vida, sobre la fugacidad y lo escurridizo de ambos.
33 – Holy Motors
Dir. Leos Carax
Una experiencia cinematográfica que demuestra que aunque existan nuevas narrativas, formas de filmar o distribuir, el cine siempre será lo mismo: una vía para contar historias que jamás habíamos imaginado.
Y Holy Motors brinda un viaje sensorial por diferentes momentos y personajes de un microuniverso parisino. Carax, a través de los ojos de un hombre, ¿un actor, un ser que reencarna? muestra cómo de un instante a otro, gracias al cine, podemos adentrarnos en realidades que no conocemos.
32 – We Need to Talk About Kevin
Dir. Lynne Ramsay
Pocas cintas tan perturbadoras como We Need to Talk About Kevin. Se trata de ese tipo de películas donde la tensión va in crescendo, al ritmo de una bomba en cuenta regresiva.
Es además un filme valiente, de una incorrección política admirable: la cinta no sólo cuestiona esa mirada condescendiente hacia la maternidad, sino que dibuja la tétrica posibilidad de que aquello sea una auténtica pesadilla.
Una cinta tan incómoda como extraordinaria.
31 – Tree of Life
Dir. Terrence Malick
Después de años de ausencia, Terrence Malick presentó su opus magna que envolvió la historia de una familia durante tres décadas y cómo los lazos sanguíneos, se entretejen con la fe y el universo.
Malick, carga una vez más su guion de conceptos y sensaciones, más que una interacción receptiva de diálogos.
Además, pudimos ser testigos del mejor trabajo de Emmanuel Lubezki. Una fotografía que reunía elementos etéreos (para los ganapanes que dicen que las películas de Malick son como wallpapers).
30 – Midnight in Paris
Dir. Woody Allen
Una película se vuelve memorable cuando todos los elementos de a nivel humano y técnicos se conjuntan a la visión de un cineasta. Y esta cinta, acerca de un escritor que mágicamente todas la noches viaja al París de los años 20, sólo pudo ser obra de Woody Allen.
Pocos directores como Allen, han desarrollado un sexto sentido para la comedia snob que en Midnight fue llevado a un nivel exquisito, impregnado con dos historias de amor. La primera entre el protagonista y una musa idealizada que resulta ser un espejismo, y la segunda hacia París y la cultura entreguerras que incluyó, de una forma hilarante a Hemingway, Buñuel, Stein, Fitzgerald, Dalí.
La última gran comedia de Woody Allen.
29 – Lady Bird
Dir. Greta Gerwig
Lady Bird puede ser un relato acerca de distintos temas:el coming-of-age de una adolescente rebelde, de la relación madre e hija, de las dificultades de la falta de dinero en una familia, de reconciliación o de la búsqueda de una ambición personal. Sea cual sea el foco que se elija dar a esta historia, Greta Gerwig la cuenta de una manera personal, sincera y emotiva.
Su protagonista, una desafiante Saoirse Ronan, navega las dificultades de la adolescencia y la aceptación personal con una fuerza y espíritu que parecen no caber en su núcleo familiar y su ciudad natal de Sacramento.
Sin embargo esta búsqueda por reconciliar ambas partes de sí misma las que llenan a Lady Bird de una gran sensibilidad y amor en su trayecto
28 – Inside Llewyn Davis
Dir. Hermanos Coen
Una historia melancólica y que cuestiona esa necesidad antropológica por llamar a nuestro futuro incierto con la palabra destino.
Los hermanos Coen, de la mano de un Oscar Isaac excelso, narran la vida de un cantante de folk en la Nueva York de los 60, y sus esfuerzos infructuosos por volverse legendario. Su vida, como su obra, deambulan entre el egoísmo y la desesperación.
Como todo el cine de los Coen, Llewyn Davis es una epopeya, con héroes fracasados y villanos internos. Entender cómo la vida está dotada de giros predecibles y el arte puede encontrar la inspiración en las situaciones más mundanas, transforma a esta cinta (con un soundtrack compuesto por obras típicas de la época y piezas originales) en un documento que deambula entre la ficción y el documental.
27 – The Favourite
Dir. Yorgos Lanthimos
Completamente alejado de las actuaciones frías, los diálogos inertes y la emoción helada que proyectaban sus anteriores filmes, Yorgos Lanthimos demuestra con The Favourite (2018) una evolución es sus habilidades de autor.
Ya no requiere de las tramas surreales y los personajes robóticos, pero mantiene el gusto por el absurdo, el humor y la provocación.
Las mujeres al poder. El arma secreta de Lanthimos son tres actrices extraordinarias, brillantes, capaces de dar todo en pantalla. Una auténtica locura.
26 – Paterson
Dir. Jim Jarmusch
Paterson cuenta la historia de un conductor de autobús llamado Paterson en la ciudad de Paterson. La trama sigue a este personaje durante una semana en su repetitiva vida; despertando lado de Laura, conduciendo su ruta habitual, llegando a casa, paseando a su perro y tomando una cerveza, mientras escribe poemas en los breves intermedios de su recorrido.
Pero es precisamente en este rítmico acercamiento el que Jarmusch logra encontrar el profundo significado que permea en la rutina.
Aunque el guión se encuentra repleto de diálogos memorables y las letras de su poesía llenan la pantalla, lo más profundo de esta cinta se dice entre líneas.
Siguiendo las aparentemente comunes y corrientes calles de la ciudad, escuchando a sus pasajeros y dedicando sus palabras a explorar lo aparentemente mundano, Paterson se convierte en un agente de búsqueda existencial y artística.
25 – La Grande Belleza
Dir. Paolo Sorrentino
La decadencia romana en el universo Sorrentino tiene un nombre: Jep Gambardella.
Seductor, inteligente, elegante, punzante, acosado por las mujeres, y sin embargo, Gambardella no está satisfecho, quiere ser aquel capaz de iniciar todas las fiestas, pero también aquel con el poder de sabotearlas.
Sorrentino hace de Gambardella (un enigmático Tony Servillo) en el Marcello Rubini de esta generación. El flujo de imágenes (extraordinaria cámara de Luca Bigazzi) en conjunto con las actuaciones y la música crean atmósferas particularmente intoxicantes.
Todo crea una magnífica metáfora sobre lo jodido de una fiesta que encierra dentro de sí las taras y fobias de una sociedad incapaz de verse a sí misma.
24 – Amour
Dir. Michael Haneke
Amour es la confrontación más directa que Haneke haya tenido con su público.
No sólo nos enfrenta con el hecho de aceptar que, tarde o temprano, el tiempo, la edad, la enfermedad, nos tendrán postrados en una cama, sino que, incluso, se llevarán algo de nuestra dignidad.
En ese escenario es que Haneke decide hablarnos del amor, destrozando todas las preconcepciones que el cine occidental nos ha machacado sobre el mismo. Por que es muy fácil hablar del amor juvenil, del amor cándido; pero no es tan fácil asumir las consecuencias del amor cuando la edad y la enfermedad golpean.
Es ahí donde el amor encuentra su verdadera estatura.
23 – Her
Dir. Spike Jonze
¿Qué es el amor? ¿Qué es la soledad? ¿Se puede amar en soledad?¿Qué rol juega la inteligencia artificial en el terreno de las relaciones humanas? Estas son algunas de las preguntas que, de inicio, se plantea Her a través de la historia de Theodore, protagonizado por Joaquin Phoenix.
Theodore encuentra en Samantha, una asistente de voz protagonizada por Scarlett Johansson, una manera de abrirse a las posibilidades de una nueva relación pero, sobre todo, de volver a entrar en diálogo consigo mismo, luego de abandonarse tras su separación.
El ingenio de esta historia la convierte en un referente obligado de la década.
22 – Anomalisa
Dir. Charlie Kaufman, Duke Johnson
Anomalisa es una película compleja con diferentes capas temáticas, presentada en animación y aderezada de momentos surrealistas.
Una de las capas habla sobre la crisis de la mediana edad, otra cuestiona la homogeneización en los seres humanos.
Una tercera capa habla de la fugacidad del amor, de ese que comienza a extinguirse al momento que tomamos conciencia de la situación.
Y finalmente otra capa habla de nuestra incapacidad de conectarnos, ilustrando la forma en que fallamos en las relaciones interpersonales.
21 – Cold War
Dir. Pawel Pawlikowski
La historia de Cold War inicia en los 1950 cuando Wiktor, un director de orquesta, y Zula, una cantante polaca, cruzan caminos y su amor mutuo es inevitable.
Los problemas comienzan cuando Wiktor busca convencer a Zula de escapar con él a Francia para huir de la nueva Polonia comunista. A partir de ese momento, el filme se convierte en un viaje por el tiempo y el espacio, y la Guerra fría es en realidad entre ellos mismos, con ellos mismos y con el mundo que parece no tener un lugar para esta pareja.
Filmada en un hermoso y sofisticado blanco y negro, Pawlikowski construye una agridulce historia que cuenta no solo una entrañable historia de amor, sino también los impactos a nivel personal de una Europa en conflicto.
¿Cómo realizamos este listado de lo mejor de la década?
Cuatro miembros del equipo de Filmsteria!: Paloma Cabrera, Mariana Pintado, Alejandro Alemán Raúl Orozco y Josué Corro, mandamos un listado de cerca de 150 películas. Durante varias semanas, juntamos los cinco rankings, y realizamos un promedio de final de manera descendente.
Así, si alguna película aparecía en dos listados en el primer lugar, y en otros tres, en número 15; al final su promedio lo colocaba en la octava posición.
Filmsteria! la página de cine con mayor democracia, tanta que Michael Moore debería hacernos un documental.
